Obras maestras de la pintura europea

La exposición “Obras Maestra de la Pintura Europea del Museo de Arte de Ponce” que se inscribe en el cronograma de actividades para festejar el aniversario número cuarenta del Museo Nacional de San Carlos, se configura como una exquisita muestra de obras representativas de las principales escuelas europeas, como las de España, Italia, Holanda, Inglaterra y Francia ente otras. La muestra fue curada por Cheryl Hartup y Richard Aste y presenta un seleccionado recorrido de 60 pinturas europeas entre los siglos XIV y XX.
La pintura sobre la que nos ocuparemos en esta reseña es la de “Retrato de un Noble Español” del siglo XVII y autor anónimo:

Caminando entre las salas del Museo Nacional de San Carlos de repente un elegante caballero vestido con un aristocrático traje negro, fija su mirada sobre el visitante que tome el reto de asirse ante él, su realismo es más que sorprendente, la perfección de sus facciones y la profundidad de su mirar parece que hacen olvidar que no es más la representación de alguien que alguna vez gozó de vida.
Retratos individuales registraban la importancia social de los aludidos, como también era fuente de supervivencia de los artistas: consideraciones de ángulos y poses favorables podrían ser motivo de reinicio y reorganización del producto. En palabras de Vania Carneiro y Solange Ferra:
¨Género de apelo social, el retrato fue responsable por una buena parte de las encomiendas que garantizaron la sobrevivencia de pintores, notoriamente, en el siglo XVIII. Por esta razón, muchos recursos de composición de las poses y en las escenografías utilizadas en estudios fotográficos tienen sus matrices en los retratos de la nobleza europea pintado al óleo¨.[1]
Situado estratégicamente en lugares solemnes de la residencia, así como esta obra a la que nos remitimos “Retrato de un Noble Español” se encuentra estratégicamente situada en la sala de exposiciones; como un objeto de culto, el escenario de exhibición de esos retratos puede considerarse como un marco de referencia clave de lo que vendría a concentrarse en las colecciones. Quienes visitaban esos salones para observar y/o maravillarse con esos cuadros, legaron la herencia como espectadores a quienes, tiempo después, contemplarían un compendio genealógico concentrado en diferentes formatos. En ese sentido, lo que antes articulaba el pabellón de la familia noble o de los burgueses, entra a ser dinamizado y popularizado por muchas formas de circulación.
Puesto que la pintura de este caballero revela un espacio y un tiempo definidos, la referencia a un punto exacto de la vida o alusión a ella, conecta inmediatamente con lo efímero de la misma: es como una necesidad de representar, en ese contexto, lo que fue y los rasgos diferenciadores, es decir, una necesidad de prolongar el escenario de la vida. Una negación de la muerte, porque ésta jerarquiza, iguala, no discrimina ni distingue. Este importante señor que alguna vez fue merecedor de un majestuoso retrato ya sea por su nobleza o por su dinero, ahora no es más que una imagen que nos impacta con fuerza y con ternura, una huella, un indicio. Por eso mismo, la pintura equilibra los desniveles sociales. Al evidenciar la fatalidad, la sociedad desafía al tiempo y sus estragos con las colecciones de arte.
En el plano del imaginario social, esta necesidad es revisable en términos de lo que representa la pintura: ¿la realidad o parte de ella? Susan Sontag relaciona el objeto con la fijación de lo real: ¨La imagen quizás distorsiona, pero siempre queda la suposición de que existe, o existió algo semejante a lo que está en la imagen¨.[2]
El tiempo se ha detenido en la imagen, que nos proyecta al recuerdo de un Noble para tratar de recuperar la memoria, sin la fidelidad del momento justo. Es como una protección ante la inminencia de lo inevitable, pero aceptado por su propia aproximación. La imagen se vincula a la realidad a través de instantes certeros, sin que éstos nos lleven a la medida exacta de lo que queremos recuperar; sin embargo lo aceptamos porque, sin notarlo, estamos coleccionando tiempo.
Vania Carneiro y Solange Ferraz articulan acertadamente los elementos de la Representación y la Identidad:
¨[…] la tensión intrínseca a la práctica de la retratería se debe a la compleja relación entre la demanda por una identidad social y la búsqueda de una semejanza entre la representación y la persona retratada, semejanza que asegure la plena realización de esa formación de identidad, al mismo tiempo colectiva e individualizadora¨.[3]
Un tiempo que nos remite a la cercanía de algo específico, aproximado a la realidad, es decir, su representación. Esos puntos determinados que se contienen en esta obra no son construcciones gratuitas: hay una intencionalidad intercambiable e intercambiada entre quien hace el retrato y quien posa para él. Tanto el uno como el otro parten de elaboraciones preliminares y posteriores a la imagen, tiene un antes y un después, dependiente de la perspectiva social de los actores. De esta manera se podría suponer que el “Retrato de un Noble Español” tiene y encuentra una historia en cada persona que se subyugue ante su presencia.
Salud por el Museo Nacional de San Carlos, por esta muestra y por nuestro caballero de traje oscuro y profunda mirada.
[1] AGUAYO, Fernando y ROCA, Lourdes. (Comps.) Imágenes e Investigación Social. Instituto Mora. Ciudad de México, 2005. Pág. 275.
[2] SONTAG, Susan. Sobre la fotografía. Nueva Imagen. México, 1984. Pág. 19.
[3] AGUAYO, Fernando y ROCA, Lourdes. (Comps). Op. Cit. Pág. 271.